Biographie
Stéphane Rousseau est un artiste multidisciplinaire qui se distingue autant comme humoriste, performer, chanteur, dessinateur, peintre, concepteur et auteur; toutes les facettes de son métier l’attirent. Si on le découvre d’abord avec son humour et ses personnages sur les ondes de la radio québécoise, ce sont ses one man shows qu’il présente durant plus de 25 ans partout au Québec, en France et en Europe francophone qui font de lui une célébrité.
Maintes fois récompensé pour ses performances scéniques (Prix au Gala de l’ADISQ et au Gala Les Olivier au Québec), sa polyvalence est aussi remarquée par les gens de l’industrie télévisuelle et cinématographique. Comédien dans des séries et animateur de talk-shows à la télé, ses talents d’acteur se déploient aussi sur grand écran dans plusieurs films, dont Astérix aux Jeux Olympiques et Les Invasions Barbares (Oscar du meilleur film étranger, César du meilleur film français et Génie du meilleur film Canadien), pour lequel Stéphane reçoit le Génie du meilleur acteur dans un second rôle.
Depuis son plus jeune âge et encore aujourd’hui, Stéphane Rousseau dessine constamment, tous les jours et ce, dès son réveil. C’est un besoin viscéral. Très jeune, il est fasciné par la mythologie et ses créatures et il crée ses propres monstres, comme il se plaît à le dire. Admiratif des grands maîtres tels que Picasso (son favori), Miró, Dalí, ou encore Basquiat, Haring, Warhol et Banksy, pour ne nommer qu’eux, Stéphane, qui aborde son travail avec un pur bonheur mais aussi avec une réflexion certaine, use des codes du surréalisme et de l’art urbain pour exprimer les questions existentielles qui le préoccupent.
Par ses dessins et ses acryliques sur toiles et sur bois, il livre en effet des parts de lui-même, ses craintes et ses angoisses. Son iconographie fantasmagorique met en lumière ses réflexions sur la vie, la maladie et la mort, l’amour et la sexualité, la nature, les voyages, et autres interrogations humaines. Il prend plaisir à opposer la réalité aux fantasmes et le conscient au subconscient, plaisir alimenté par cette volonté de créer un équilibre entre l’harmonie et la tension qui habite tout être humain. Si Stéphane Rousseau l’artiste de scène met son incroyable polyvalence au service de ses personnages, le peintre met son âme au service de son art pictural, sans pudeur aucune et avec l’authenticité de l’enfant qui habite toujours son esprit de créateur.

Le dessin a toujours fait partie intégrante de ma vie et je peins professionnellement à temps plein depuis plus de vingt-cinq ans, soit depuis l’obtention d’un diplôme en Arts visuels à l’Université Laval en 1991.

J’ai d’abord fait du paysage pour ensuite m’adonner à la peinture animalière, devenue ma spécialité au fil du temps. Je ne recherche pas la perfection du sujet par le détail, mais davantage l’émotion. On me catégorise souvent comme artiste animalière, ce qui est vrai, mais tant de sujets m’inspirent bien que j’adore la faune, j’aime les nouveaux défis qui me sortent de ma zone de confort et qui me font avancer, apprendre et découvrir. Autant ma peinture peut être réaliste et travaillée pendant des semaines, autant j’aime me laisser aller dans le mouvement sur de grands formats. Peinture classique et fantaisiste, c’est un équilibre qui me convient.

Aimé Zayed a obtenu un Doctorat en études et pratiques des arts, Université du Québec à Montréal en 2004 et une Maîtrise en arts visuels à l’Université du Québec à Montréal en 1985. Il a participé à plusieurs expositions solos et collectives, ainsi qu’à de nombreuses interventions scientifiques à titre de conférencier invité au Québec et à l’étranger.

CharlÉlie Couture est né le 26 février 1956 à Nancy en France.
Il est un chanteur, compositeur, peintre, écrivain et photographe. Il peint depuis l’âge de 12 ans.

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts.

Artiste pluridisciplinaire CharlElie COUTURE s’inscrit dans le courant « multiste » dont il est un des fondateur/théoricien.

Son œuvre est un voyage conceptuel autour de la question de l’Existence, ou « comment se définir entre le conscient identifié et l’émotionnel inconscient ».

En 1978, sa thèse de fin d’étude s’intitule « polymorphie de l’esprit ».

CharlElie poursuit une recherche autour de « l’Art Total » cherchant des connexions entre les différentes formes d’expression que sont l’Ecriture, l’Image et la Musique.

Photos, textes et peintures, CharlElie Couture autoproduit son premier disque « 12 chansons dans la sciure ».

En 1981, il est le premier artiste Français signé par Chris Blackwell sur le label Anglo-Américain Island Records, aux côtés de U2, Grace Jones, Robert Palmer.

L’album « Poèmes rock » enregistré à New-York, est classé en janvier 2010 dans le Top 25 des albums qui ont marqué l’histoire du Rock en France.

Il fonde à Nancy, le groupe « Local à Louer », associant photographes, peintres et poètes, et publie le fameux « manifeste de l’Art Rock » :

« L’Art doit faire la jonction entre le fonctionnalisme de la société industrielle et les aspirations de la culture pop! ».

Pionnier du Web dans les années 90, il a participé à de nombreuses conférences sur l’Art et la Culture, développant le principe des interactivités créatives.

Créateur prolifique, voire même hyper productif, CharlElie Couture peint, dessine, photographie. Il a publié une quinzaine d’ouvrages de réflexions, dessins et photos.

CharlElie a enregistré 25 albums et fait plus de 1500 concerts à travers le monde sur les 5 continents.

CharlElie Couture a composé une vingtaine de musiques de films, dont « Tchao Pantin », « la salle de bains », « la petite amie d’Antonio », « l’appel du loup »…

Ses peintures, photos et dessins sont régulièrement exposés en France, en Belgique, en Suisse, aux Etats-Unis.

Installé à New York en 2004, CharlElie a la double nationalité Franco-Américaine.

En 2010, il inaugure et gère « The RE Gallery » un lieu de rencontres unique à la fois son atelier et sa galerie sur la 37th rue, en plein cœur de Manhattan (NY).

En 2014/2015 la ville de Nancy / Galeries Poirel présente une grande exposition rétrospective « CharlElie, NCY – NYC » qui réunit pour la première fois une centaine de tableaux autant de photos, de sculptures et des films et des installation, soit plusieurs centaines d’œuvres réalisées de son adolescence à cette année 2015.

« IN/OUT et OUT/IN » « Constructs », « Photograffs », « Innerportraits », son œuvre se veut « multiste ».

Après l’album « ImMortel » produit par Benjamin Biolay et sorti en 2014, CharlElie COUTURE part dans le Bayou de Louisiane, et enregistre « LaFAYETTE » dans le mythique Dockside Studio, entouré de musiciens cajuns de même que Zachary Richard et Louis Michot / Lost Bayou Ramblers . Suivront ensuite quelques concerts au Festival International de Louisiane, à New York / Central Park, à Los Angeles et San Francisco.
En Juin 2017, écœuré par la politique du nouveau président Donald Trump, CharlElie décide de rentrer s’installer en France…

 

Pablo Ruiz Picasso, né à Malaga (Espagne) le 25 octobre 1881 et mort le 8 avril 1973 à Mougins (Alpes-Maritimes, France), est un peintre, dessinateur et sculpteur espagnol ayant passé l’essentiel de sa vie en France.

Artiste utilisant tous les supports pour son travail, il est considéré comme le fondateur du cubisme avec Georges Braque et un compagnon d’art du surréalisme. Il est l’un des plus importants artistes du xxe siècle, tant par ses apports techniques et formels que par ses prises de positions politiques. Il a produit près de 50 000 œuvres dont 1 885 tableaux, 1 228 sculptures, 2 880 céramiques, 7 089 dessins, 342 tapisseries, 150 carnets de croquis et 30 000 estampes (gravures, lithographies, etc.).

France Arseneault et Aimé Zayed

Le Duo AZed a été formé et s’est mis en œuvre en 2013. Depuis, il s’est manifesté à quelques reprises dont au Québec, Venise en Italie et Hangzhou en Chine. Chaque artiste de ce duo possède une formation et une expertise artistique imprégnées de leur expérience individuelle et mutuelle.

Les sculptures
Nos œuvres sculpturales confondent et démasquent les limites d’une pratique associée à l’illusion d’une identité facilement reconnaissable. Nous misons davantage sur la question de l’ipséité qui nous définit et nous singularise tout à la fois. De ce fait, nos sculptures investissent sans cesse le territoire de la mouvance et spéculent sur ce qui évolue, se modifie et se transforme. Elles se hasardent sur la frontière plus ou moins poreuse de l’écart existant entre l’individualité, plutôt fixe et la perpétuelle instabilité du corps. Par là même, elles enlèvent toute pertinence au phénomène de la représentativité. Ainsi, nous nous permettons, à travers nos sculptures libérées du souci de la ressemblance mimétique, de les hybrider avec des représentations animales, quelquefois empaillées ou tout simplement sculptées dans l’argile. Plus souvent qu’autrement, les thèmes de la maternité et de la fécondité modèlent nos sculptures et leur confèrent une symbolique axée non seulement sur la continuité, mais aussi sur la communication et le dialogue, sources d’harmonisation. Corps hybride, corps machine ou corps sexué, les sculptures composites que nous créons constituent non seulement une expression artistique originale, mais elles invitent aussi le regardeur à se questionner et à se positionner par rapport à son altérité et, par là même, à repenser son essence et son identité. La portée esthétique de nos œuvres tridimensionnelles questionnent avant de répondre mais, ce faisant, elles sensibilisent et mystifient.

Les estampes
Réaliser des estampes numériques à partir de nos sculptures est certes une initiative particulière qui s’insère à l’intérieur du nouveau paradigme de l’art contemporain. Ce que nous proposons, c’est photographier nos sculptures, non seulement pour des fins d’archivage et de documentation, mais aussi afin de s’en servir comme matière première, voire comme une matrice de base pour nos créations bidimensionnelles. Nous ajoutons et/ou soustrayons des éléments réels et virtuels afin de proposer des images qui réfèrent certes à leur source mais qui s’en distancient tout autant. Nous hybridons ces personnages de manière anthropomorphique dans un contexte environnemental propice à leur plénitude et, ce faisant, nous leur octroyons une nouvelle vie, une deuxième naissance, originale et inédite. Esthétiquement parlant, nous favorisons l’intégration d’éléments exogènes tels que des feuilles d’or, des plumes, du collage et autres, qui singularisent chaque estampe. Les images créées grâce à cette technique soulèvent elles aussi de multiples interrogations. Elles évoquent à la fois un passé mythologique et un présent contemporain teinté d’un surréalisme inquiétant.

France Arseneault a terminé son Baccalauréat en enseignement des arts à l’Université du Québec à Trois- Rivières en 2010 et poursuit présentement le Programme court de 2ème cycle en esthétique de l’Université du Québec à Trois-Rivières. Elle enseigne également les arts depuis 2010 et a participé à plusieurs conférences à l’étranger, à titre d’étudiante invitée.
Aimé Zayed a obtenu un Doctorat en études et pratiques des arts, Université du Québec à Montréal en 2004 et une Maîtrise en arts visuels à l’Université du Québec à Montréal en 1985. Il a participé à plusieurs expositions solos et collectives, ainsi qu’à de nombreuses interventions scientifiques à titre de conférencier invité au Québec et à l’étranger.

Tannous est un artiste de renommée internationale. Ses oeuvres sont exposées et vendues partout dans le monde.

S’ajoute à ses créations splendides sur toiles, la réalisation d’oeuvres uniques sur des mannequins et sur différents supports; tels que des voitures, des Harley Davidson, des coffres-forts…

Il a développé dans les années 80, une technique novatrice, en intégrant différents matériaux dans ses oeuvres; et en les protégeant par un vernis épais et brillant, qui est devenu sa propre signature au début des années 90.

Cette technique de par son originalité influence beaucoup d’artistes dans le monde, majoritairement au Québec depuis que l’artiste y s’est installé.

Tannous is an internationally renowned artist. His works are exposed and sold all around the world.

The realization of unique works on mannequins and in various media is added to his oeuvre of magnificent paintings, having created unconventional works on objects such as cars, Harley Davidson Motorcycles, and safes.

In the 80s, he developed an innovative technique by joining various materials into his works and protecting them by a thick, brilliant varnish, which had become his signature by the beginning of the 90s.

Due to its originality, this technique influences many artists around the world, primarily in Quebec since the artist chose to call it home.

Jean-Marie Laberge est natif de Chicoutimi au Québec. Après un brevet d’enseignement et un Bac ès Arts de l’Université de Montréal, il enseigne quelques temps au Québec puis se retrouve pendant sept ans au Malawi (Afrique Centrale). Avant de revenir au pays, il passe un an au John Cass College de Londres où il se perfectionne en portrait peint ou sculpté y obtenant un Post Graduate Diploma. Plus tard on le retrouve à Washington D.C. où il obtint une maîtrise en Arts plastiques (MFA), majeure en Sculpture. Délaissant la peinture, en 1972 il entreprend la sculpture qui restera depuis, son mode préféré d’expression. Ses thèmes favoris sont le personnage surtout la FEMME, (peu d’artistes réussissent aussi bien à en rendre la bonté, la douceur, l’élégance en si peu de mots) le TORSE…Suit l’OISEAU dont il ne garde que l’âme et quel oiseau! Finalement, les musiciens dont les mains, délicates et fortes, font chanter un instrument qu’on devine plus que l’on voit.
Il est l’auteur de nombreux monuments à caractère historique dont: 1- Mgr Bluteau (Parc St-Coeur – St-Félicien ). 2- Monument Centenaire (Paroisse St-Joseph – Alma). 3- Vers l’Avenir ( Ecole Dominique-Racine – Chicoutimi). 4- Monument Honorat ( 150e de Laterrière). 5- Monument de l’Ange (Cimetière St-François-Xavier – Chicoutimi). 6- Monument à Françoise Simard (Fondatrice des Soeurs du Bon-Conseil de Chicoutimi )

Démarche artistique:
J’ai débuté ma carrière artistique comme beaucoup d’autres en créant des oeuvres bi-dimensionnelles.
C’est au John Cass College de Londres en 66-67, qu’un professeur me fit réaliser que j’avais un talent spécial pour le portrait et les oeuvres tri-dimensionnelles en général. Par la suite, un séjour à Washington, où j’obtins une Maitrise en Arts Plastiques (MFA) majeure en sculpture, confirma cette réalité.

De retour au pays de 1973 à 1981, j’ai créé un bon nombre de murales en aluminium coulé à froid, en général abstraites ou surréalistes. Mais, ce n’est qu’en 81 que je choisis le bronze comme médium. J’ai créé depuis quelque 90 modèles différents. Mes bronzes peuvent être vus couramment dans une dizaine de galeries au pays ou ailleurs. Comme il est important de savoir ce que les autres pensent de mon oeuvre, les citations ci-haut sont fort pertinentes.

Née à Amqui, Québec en 1954. Autodidacte et depuis toujours passionnée par le dessin, Ginette BEAULIEU s’est intéressée aux techniques anciennes des maîtres de la Renaissance. Elle peint principalement à l’huile en menant une recherche à partir d’une variété de supports et de techniques de fond. Ses oeuvres ont été exposées en France, notamment lors de l’exposition Carrousel du Louvre de Paris, et dans plusieurs galeries et musées du Québec. NÉCESSITÉ DE PEINDRE. « Sur une île déserte, j’emporterais mes pinceaux. Ensuite, le besoin de m’exprimer, me dévoiler à l’autre, occuper mon espace en ce monde. Exprimer ce qui ne l’a jamais été avant, ou communiquer autrement de ce qui l’a déjà été. «